Miguel Brenner, peruano (8 setiembre 1953). Artista plástico, egresado de Bellas Artes, Lima.
Brenner participó en la (PRIMERA) selección de artistas para una clase maestra, aplicó a todos los requisitos y lo hemos filmado.
CLASE MAESTRA al aire libre en la playa de Pucusana.
[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=QP17cNCCfJI[/youtube]
Publicado por Ricardo Cuya Vera, director de Arte y Cultura TV rcuya@yahoo.es
Christian Bendayán, Iquitos, Perú, 14 de octubre de 1973.
Artista, investigador, estudioso de la culturas nativas de la selva peruana. Pintor, dibujante, grabador, fotógrafo y curador.
Su trabajo sobre el lienzo es una gala de realismo por el que desfilan personajes, mitos e historias de la amazonía.
[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=xh4xBS6x_jc[/youtube]
Bendayán es un artista que está en la primera fila de la plástica sudamericana. Es un divulgador, también, de la obra de diversos artistas amazónicos.
Publicado por Ricardo Cuya Vera, director de Arte y Cultura TV rcuya@yahoo.es
 |
La mujer en azul vuelve a mirar al público, desdeñosa y solitaria, desde su pared en el museo Reina Sofía. Después de seis meses encerrada en las silenciosas entrañas de la mayor pinacoteca de arte moderno de Madrid, ha regresado a la sala 201 todavía verde y con la mirada perdida. Las pinceladas a base de azul han retornado tan vivas como cuando Pablo Picasso lo pintó en 1901. Tan fuertes como cuando el artista abandonó a la dama en algún almacén madrileño, donde durmió durante más de 50 años. |
VÍDEO de la obra y entrevista a los restauradores
El equipo de restauración encargado de cuidarla y mimarla reconoce ahora al genio vanguardista que se escondía tras un barniz que, con el tiempo, amarilleó y transformó la obra. “Ahora, el cuadro aparece como Picasso lo había pensado”, sostiene la gestora de proyectos del departamento de restauración, Mayte Ortega, mientras observa a la mujer y los azules que le dan nombre.
En el taller, Jorge García Gómez-Tejedor, el jefe de restauración, todavía dice más: “El cuadro estaba aplastado, encerrado”. ¿Y ahora? “Ahora está desnudo y libre”. La mujer en azul era una dama de la noche, una aristócrata de baja moral o una prostituta, según la conservadora de la colección Rosario Peiró. Pero no se confundan, la mujer continúa vestida.
Los restauradores han realizado un camino menos arduo de lo esperado y, aun así, apasionante. Han descubierto la joven pincelada del autor, que tenía 20 años.
“Cada trazo es una obra de arte en sí mismo”, opina Paloma Calopa, una de las restauradoras, que además se ha encargado del trabajo documental. Al acercarse a la obra, el ojo descubre el arte del que tanto le han hablado. Para ellos fue más fácil. José Loren y Humberto Durán realizaron una serie de 800 macrofotografías que permitieron descubrir cada uno de los detalles: la pérdida de pintura en los bordes, el roto del chal en forma de siete, los burdos repintes, las gotas de óleo que, sin querer, salpicaron la obra y se taparon en otras intervenciones. Y, por supuesto, el barniz.
Muchos pueden imaginar a los restauradores pincel en mano, retirando y rellenando grietas y blancos. La imagen real es muy diferente. La tecnología es la base de todo el proceso. Para eliminar el barniz de La mujer en azul, la química del equipo, Carmen Muro, tuvo que estudiar cada uno de los disolventes para que los restauradores pudieran eliminarlo capa por capa. “Se vierte sobre el esmalte que se hincha. Después, se procede a eliminarlo con un hisopo (una especie de palillo de algodón). Es la piel que sobra”, explica García Gómez-Tejedor. Una operación en toda regla.
Fuente: EL PAÍS marzo 2012
Publicado por Ricardo Cuya Vera, director de Arte y Cultura TV rcuya@yahoo.es
Zhang Da-Chian (Daqian) 1899 – 1983
Nacido en la provincia de Sichuán, China, en una familia que alentó su dedicación a la pintura y la caligrafía, en 1917 se trasladaba a Japón con su hermano mayor para aprender técnicas de color y al poco tiempo viajaba a Shangai donde tenía la oportunidad de trabajar con dos conocidos especialistas en pintura y caligrafía de la época.
[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=R3Fhm5Arpz0[/youtube]
A finales de los 50 empieza a desarrollar un problema en la vista y se pone a trabajar en con sus “pinturas salpicadas”, no le resulta difícil mirar hacia un lugar del todo diferente. Se centra en las bellas manchas de color que luego retoca en sus contornos, convirtiendo los misteriosos azules, verdes y marrones en majestuosas montañas. Muchos ven a Pollock en esas pinturas, aunque Zhang Daqian insistiera en nombrar al pintor clásico Wang Mo como fuente de inspiración. Sea como fuere, esas “pinturas salpicadas” gozan de inmejorable salud en el mercado del arte.
[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=VgQ2bFb72o4[/youtube]
VENTAS y Súper ventas
Zhang Daqian ha superado en 2011 a Pablo Picasso, el artista con mayores ventas acumuladas en subasta en un año. El genio malagueño, que había coronado la lista durante 14 años consecutivos (desde 1997), fue rebasado el año pasado, además de por Daqian, por el chino Qi Baishi (1864-1957) y el estadounidense Andy Warhol (1928-1987), según las cifras de la base de datos online Artprice.
[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=vhcPtGXkUHY[/youtube]
Publicado por Ricardo Cuya Vera, director de Arte y Cultura TV rcuya@yahoo.es
Tiziano Vecellio o Vecelli, (Pieve di Cadore, Belluno, 1477 – Venecia, 27 de agosto de 1576), pintor italiano del Renacimiento, uno de los mayores exponentes de la Escuela veneciana.
Reconocido por sus contemporáneos como “el sol entre las estrellas“, Tiziano es uno de los más versátiles pintores italianos, igualmente capacitado para ejecutar retratos, paisajes (dos de los temas que le lanzaron a la fama), escenas mitológicas o cuadros de temática religiosa.
[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=PjFg_-wq_mc[/youtube]
Tuvo una larga y dilatada carrera, y su obra atravesó muchas y diferentes etapas, en las que su estilo cambió tan drásticamente que algunos críticos tienen problemas para creer que los cuadros de su primera etapa y los de las posteriores hayan salido de la misma mano.
En cualquier caso, el conjunto de su obra se caracteriza por el uso del color, vívido y luminoso, con una pincelada suelta y una delicadeza en las modulaciones cromáticas sin precedentes en la Historia del Arte occidental.
UN ROBLE centenario
La fecha de nacimiento es una incógnita. Hay tres hipótesis basadas en documentos de la época. Según su partida de defunción, que se guarda en la iglesia veneciana de San Canciano, el artista murió a la “edad de ciento tres años”, por lo que el nacimiento se fecharía en 1473. En la correspondencia de Tiziano a Felipe II de 1571, el pintor se presenta como “este servidor suyo de noventa y cinco años de edad”, deduciremos por tanto que nació en 1476. Sus contemporáneos Ludovico Dolce y Giorgio Vasari estiman que la fecha estaría comprendida entre 1488 y 1490. Ante estas diferencias, la crítica internacional se encuentra dividida. Los historiadores Harold Wethey y Sydney Freedberg creen fiable el nacimiento entre 1488 y 1490. El Centro de Estudios de Tiziano y otros autores determinan que debió producirse entre 1480 y 1485, desechando otras fechas por la precocidad demasiado sospechosa, de algunas obras iniciales.
Publicado por Ricardo Cuya Vera, director de Arte y Cultura TV rcuya@yahoo.es
Joseph Mallord William Turner (Covent Garden, Londres, 23 de abril de 1775 – Chelsea, Londres, 19 de diciembre de 1851). Es “el pintor de la luz”. Renombrado por sus pinturas al óleo, es uno de los grandes maestros de la pintura paisajista británica en acuarela. Es el primer impresionista, aunque muchos no quieran asimilar esto. Cuando alguien se adelanta, se adelanta cientos de años. Turner es un prodigio.
Exposición en el Museo de Arte de Dallas en Texas.
[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=v57XGgc1eVI[/youtube]
Turner es reconocido como un genio: el crítico inglés, John Ruskin, describió a Turner como el artista «que más conmovedoramente y acertadamente puede medir el temperamento de la naturaleza».
Los impresionistas estudiaron cuidadosamente sus técnicas, para dilucidar el poder de sus lienzos. En la era del arte moderno, hasta el arte abstracto se ha visto influenciado por él.
Turner “el romántico”
[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=IuRkP__TwRQ[/youtube]
Turner entró en la Royal Academy of Art con tan sólo 14 años. Fue aceptado a los 15, pues, a diferencia de sus contemporáneos, estaba interesado en formar parte de ésta. Al principio, mostró un entusiasta interés por la arquitectura, pero su actividad pictórica fue estimulada por el arquitecto Thomas Hardwick (junior). Sir Joshua Reynolds, presidente de la Real Academia en aquel tiempo, admitió a Turner llevándolo, definitivamente, al mundo del arte. En 1790, una acuarela suya fue aceptada para la exposición veraniega de la Real Academia de aquel año, tenía 15 años.
Publicado por Ricardo Cuya Vera, director de Arte y Cultura TV rcuya@yahoo.es
Johannes Vermeer van Delft (Delft, 31 de octubre de 1632 – id. 15 de diciembre de 1675), Pintor neerlandeses, genio del arte barroco. Vive durante la llamada Edad de Oro neerlandesa, en la cual las Provincias Unidas de los Países Bajos experimentaron un extraordinario florecimiento político, económico y cultural.
Vermeer, el maestro de la LUZ
[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=DEior-0inxU[/youtube]
Vermeer conocía métodos ópticos avanzados para casi fotografiar al pincel sus obras.
[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=0_qqG-nEhpQ[/youtube]
El diseñador gráfico Tim Jeninson en Texas, Estados Unidos, descubrió que el artista Joseph Vermeer recurrió a técnicas de óptica muy avanzadas para su época, al pintar sus obras.
Jeninson explicó, en un escrito de su autoría en el que relató paso a paso su descubrimiento, que está acostumbrado por su trabajo con videos y gráficos de computadora a mirar imágenes desde un punto de vista técnico. Desde su punto de vista era humanamente imposible que Vermeer hubiera hecho esa obra de arte. Fue ahí cuando, cual Arquímedes y su “¡Eureka!”, descubrió la técnica que podría haber usado el artista del siglo XVII. Un pequeño espejo en un palo que le permite imitar con exactitud los colores de pintura con los colores de la muestra.
Vermeer, VIDA y obra completa
[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=srmztW-3_dU[/youtube]
Trailer de la película “La mujer de la perla”
[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=guaVd-82ayk[/youtube]
Obras de Vermeer
[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=EXRZGzRw-4M[/youtube]
Vermeer es un genio de la luz y el retrato íntimo, con personalidad.
| Posted by Ricardo Cuya Vera of Art and Culture TV | ||||
| Redactado y publicado por Ricardo Cuya Vera, director de Arte y Cultura TV | ||||
| e-mail: rcuya@yahoo.es | ||||
| Facebook page: https://www.facebook.com/arte.cultura.tv | ||||
 |
||||
Jackson Pollock, de Cody, Wyoming, Estados Unidos, (28 enero 1912 – 11 agosto 1956). Hijo de un granjero que educó a sus hijos, tanto que sus dos críos, apostaron por el arte. Charles, el mayor, expresionista famoso, y el más joven, Jackson, este cambió el pensamiento de los esteticistas en todo el mundo.
Pintó poco tiempo, el alcoholismo lo anuló, pero eso ha sido suficiente.
Es el primer pintor estadounidense que influye en el arte europeo.
VÍDEO del maestro pintando
[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=6cgBvpjwOGo[/youtube]
A Pollock se lo conoce sobre todo por las pinturas de “goteo” que creaba mediante el vertido, la salpicadura y el goteo de pinturas sobre lienzos enormes, un método que él denominó pintura en acción (action painting). Predicaba que las obras de arte deben ser consideradas objetos individuales por derecho propio en lugar de representaciones de algún sujeto ajeno a ellas, e insistía en que las suyas no trataban de nada: eran pinturas en su forma más pura y autónoma.
Pollock en lo suyo
[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=J1Z2bXWBiYc[/youtube]
Pintor del goteo
La técnica dripping, de Pollock, lo hizo famoso, pues no pintaba literalmente, sino dejaba chorrear brochas y botes de pintura sobre una tela colocada en el suelo. La denominaba action painting, pues se movía como un poseso hasta que los colores quedaban tan superpuestos que el cuadro a veces parecía un relieve.
No tenía control sobre sí mismo, pues bebía y mucho. Su adicción fue tan destructiva, que a los 40 años apenas pintaba.
La galerista neoyorquina Sidney Janis tuvo que modificar el nombre de una exposición porque no había más lienzos del afamado artista. En 1955 él dejó definitivamente la pintura. El viaje a Europa de su mujer, la artista Lee Krasner, fue más bien una huida, y Pollock se buscó una amante y siguió bebiendo.
En agosto de 1956, Pollock llevó a su amante y a una conocida a la localidad de Springs, en Long Island. Allí, en el extremo oeste de la isla –cuyo este domina Nueva York– tenían él y Krasner su hogar y su taller. No era la primera vez que el artista, de entonces 44 años, conducía ebrio, pero esa vez estrelló su Cabriolet. La amante sobrevivió, pero la amiga y Pollock murieron.
Jack, el pintor del goteo lo llamó la revista Time. Justo medio siglo después Nº 5, de Pollock, pintado en 1948, se vendió por 140 millones de dólares. Un auténtico récord.
Publicado por Ricardo Cuya Vera, director de Arte y Cultura TV rcuya@yahoo.es
Ha sido sin duda la noticia cultural del día: El Museo del Prado contaba entre sus fondos, sin saberlo, con la “copia” más antigua que se conoce de La Gioconda o Mona Lisa, la pintura más célebre de todos los tiempos, creada por los pinceles del genial Leonardo da Vinci.
Si la cuestión terminara ahí, el hallazgo, aunque importante, tampoco sería para tanto. Después de todo, se conocen docenas de réplicas de La Gioconda, mejor o peor conservadas, y que datan de los siglos XVI y XVII. Sin embargo, los estudios realizados sobre la obra del museo madrileño indican, sin lugar a dudas, que la pintura fue realizada de forma paralela a la que surgió del pincel del maestro Florentino. Es decir, más que una copia estaríamos ante una réplica de gran valor.
Una copia de la Mona Lisa ?
[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=CrqorDJUmzU[/youtube]
Curiosamente la noticia —todo un bombazo en los círculos artísticos— ha sido ofrecida en primicia por el diario especializado The Art Newspaper, adelantándose a un anuncio oficial por parte del Prado, y después reflejada en buena parte de los medios internacionales.
 |
Aunque los responsables del Museo del Prado conocían la existencia de esta pintura en sus fondos, hasta hace poco creían que era una copia más, de las muchas existentes, realizada tras la muerte de Leonardo.Por otra parte, los expertos españoles tampoco le concedieron demasiada importancia por otros motivos: por un lado un fondo negro y plano sustituía al paisaje toscano de la obra original y, por otra parte, la pintura estaba realizada sobre madera de roble. O eso creían.Las pinturas sobre madera de roble eran a menudo utilizadas a finales del siglo XV y comienzos del XVI por artistas flamencos, lo que hacía sospechar de un autor con dicho origen. Sin embargo, un estudio realizado el año pasado desveló que la suposición era errónea. La tabla era de nogal, un tipo de madera muy empleado por los artistas italianos del momento.
A ese hallazgo había que sumar otro, aún más importante. Tras examinar la pieza, los restauradores del Prado descubrieron que el fondo negro de la “copia” no era original, sino un añadido posterior. Cuando procedieron a limpiar ese fondo oscuro, ante sus ojos fue apareciendo el ya famoso paisaje toscano que se puede apreciar en la pintura original de Leonardo. Los descubrimientos, sin embargo, no terminaron ahí. Cuando los especialistas compararon las fotografías infrarrojas tomadas a la copia del Prado con las existentes realizadas al original de París descubrieron algo aún más importante: los trazos ocultos y los cambios de ambas pinturas eran muy similares. |
 |
Aquellas evidencias sólo podían significar una cosa: las dos obras habían sido realizadas al mismo tiempo, pintadas una junto a la otra en el mismísimo estudio de Leonardo. Dicho de otro modo: la tabla “redescubierta” en el Prado fue realizada, casi con total certeza, por un discípulo directo de Da Vinci.Los primeros detalles sobre la investigación fueron ofrecidos durante una conferencia impartida a puerta cerrada en la National Gallery de Londres (donde, precisamente, se exhibe hasta el 5 de febrero una muestra sobre Leonardo), en la que especialistas del Museo del Prado mostraron las primeras fotografías del proceso de restauración.El providencial hallazgo es sin duda una magnífica noticia para la pinacoteca madrileña, pues se trata de una obra de gran valor. No tanto por su calidad pictórica —que la tiene—, sino más bien por la información que nos proporciona sobre la obra original de Leonardo y sobre la forma de trabajar en su taller.
Por un lado, la pintura del Prado parece estar mejor conservada en ciertas zonas, lo que va a permitir conocer con mayor detalle, por ejemplo, algunas partes del vestido de la Gioconda, o la silla sobre la que se apoya. Pero además, y según avance la investigación, la tabla del museo madrileño podría darnos más datos sobre la fecha de creación de la obra conservada en el Louvre. Hasta ahora los expertos del museo parisino apuntan a una fecha entre los años 1503 y 1506. Sin embargo, esto podría cambiar. |
A la luz de los nuevos descubrimientos, los especialistas consideran que lo más probable es que la réplica de Madrid fuera realizada, bien por Salai —quien ingresó en el taller de Leonardo hacia 1490— o bien por Francesco Melzi, que lo hizo mucho después, en 1506.
Si se demostrara que fue este último, es posible que hubiera que retrasar la fecha de creación de La Gioconda, o al menos ayudaría a descartar los años anteriores a su entrada en el estudio de Leonardo da Vinci.
El descubrimiento ofrece nuevos datos de un valor incalculable para los historiadores del arte, pero trae también nuevos interrogantes sobre la obra de un genial artista ya de por sí envuelto por un aura de misterio.
Según Miguel Falomir, especialista del Museo del Prado, es posible que la réplica sea el mismo cuadro que se cita en un inventario del año 1666, y que procede del palacio del antiguo Real Alcázar de Madrid. Pero aunque sea así, seguiríamos sin saber cuándo y de qué modo llegó la tabla a la colección real española.
En cualquier caso, el hallazgo es una fantástica noticia que añade una pieza más a la relación que existía ya entre la obra de Leonardo y España.
Fuente: Earliest copy of Mona Lisa found in Prado (The Art Newspaper)
Publicado por Ricardo Cuya Vera, director de Arte y Cultura TV rcuya@yahoo.es
Designed by
